ฮานะโคซึกะ. ภาพโดย Richie Babitsky “ ไม่มีใครรู้ว่า ‘ร่วมสมัย’ ‘โมเดิร์น’ หรือ ‘แจ๊ส’ คืออะไรอีกแล้ว” คุณเคยได้ยินมาก่อนหรือไม่? นักเขียนคนนี้มี. เธออาจจะพูดเองไม่กี่ครั้ง อาจจะเป็นการพูดเกินจริง แต่ความจริงก็ยังคงอยู่ที่ศิลปินและครูนาฏศิลป์หลายคนผสมผสานรูปแบบดังกล่าวเข้าด้วยกันและสร้างสิ่งใหม่ในแบบของพวกเขาเอง เราสูญเสียความสมบูรณ์และความชัดเจนของเทคนิคคลาสสิกที่ประมวลผลไปแล้วหรือไม่และการผสมดังกล่าวต้องทำด้วยความระมัดระวังและสำรองไว้หรือไม่? ในทางกลับกันการผสมผสานรูปแบบนี้เปิดช่องว่างสำหรับการทำงานร่วมกันที่ประสบผลสำเร็จ - ดังนั้นจึงควรได้รับการสนับสนุนหรือไม่? สำหรับผู้ที่สนใจเกี่ยวกับการเฟื่องฟูของศิลปะการเต้นรำในอนาคตรวมถึงการรักษาประเพณีของมันสิ่งเหล่านี้ดูเหมือนจะเป็นเรื่องที่ไม่ควรมองข้าม
หากต้องการเจาะลึกคำถามเหล่านี้ Dance Informaspoke กับศิลปินเต้นรำสี่คน: Hana Kozuka นักเต้น / นักออกแบบท่าเต้นจาก LA Bettina Mahoney ผู้อำนวยการผู้ก่อตั้ง โปรดักชั่นฟอร์ติจูดแดนซ์ และนักการศึกษาด้านการเต้น Tracie Stanfield ผู้อำนวยการผู้ก่อตั้ง Synthesis Dance จาก NYC และ Taylor McLean Bosch ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของ Nitrogen: The Company และนักการศึกษาด้านการเต้นจาก NYC / Long Island มากระโดดกันเลย!
เทย์เลอร์แม็คลีนบอช
www dancevision com
ทำไมถึงมีสไตล์ที่หลากหลาย? ผลกระทบที่เกิดขึ้นในโลกแห่งการเต้นรำมีมากขึ้นหรือไม่?
สแตนฟิลด์เชื่อว่า“ การผสมผสานสไตล์ (สไตล์ย่อย) คือการสะท้อนหรือตอบสนองต่อโลกที่เราอาศัยอยู่ในทางหนึ่งสังคมของเราให้ความสำคัญกับความเป็นปัจเจกบุคคลความเป็นตัวของตัวเองและความเป็นอิสระมากกว่าที่เคย ศิลปินไม่ได้ถูก จำกัด โดย 'กฎ' หรือวิธีการในอดีต ' ความคิดของ McLean Bosch ที่นี่คล้ายกัน “ ทุกคนพยายามหาเสียง” เธอคิด Kozuka ตั้งข้อสังเกตว่ารูปแบบที่แพร่หลายนี้ทำให้“ หลายสิ่งหลายอย่างมาหลอมรวมกัน”
ในทางกลับกัน Stanfield อธิบายถึงวิธีที่เราสามารถมองว่าเทรนด์นี้เป็นอีกรูปแบบหนึ่งของการแพร่กระจายสไตล์ / เทคนิคที่เกิดขึ้นพร้อมกับการเติบโตของเทคนิค Graham, Horton และLimónและละคร แต่ด้วย“ ความแตกต่างที่สำคัญคือไม่มีความเป็นทางการที่ชัดเจน ระบบพื้นฐานสำหรับแต่ละสไตล์ย่อยหรือเทคนิคนั้นขึ้นอยู่กับค่านิยมและความชอบของนักออกแบบท่าเต้น / ครูเท่านั้น” นอกจากนี้การแพร่หลายนี้ยังเกิดขึ้นใน“ ถนน แจ๊ส และสไตล์บัลเล่ต์” สแตนฟิลด์กล่าว ตัวอย่างเช่นมีการเพิ่มขึ้นของชั้นเรียนในรูปแบบย่อยเช่น“ แจ๊สร่วมสมัย”“ ฟิวชั่นร่วมสมัย”“ สตรีทร่วมสมัย”“ บัลเล่ต์ร่วมสมัย” และ“ โคลงสั้น ๆ แจ๊ส”
ฮานะโคซึกะ. ภาพโดย Peter Yesley
ถึงกระนั้นครูบางคนก็ระบุและส่งเสริมตัวเองไม่ได้ใช้รูปแบบเดิมที่สอน แต่ใช้รูปแบบ / คุณภาพและแบรนด์การเคลื่อนไหวของตนเองแทน ในทางกลับกันนักเรียนสามารถมองหาชื่อครูและแบรนด์มากกว่ารูปแบบในการตัดสินใจว่าจะเข้าชั้นเรียนใดเนื่องจากโคซูกะยืนยันเป็นบรรทัดฐานของเธอ “ ทุกวันนี้มันยากที่จะติดป้ายกำกับสิ่งต่างๆ!” เธอพูดว่า. เธอชี้ให้เห็นว่าโซเชียลมีเดียเป็นตัวขับเคลื่อนเทรนด์นี้เพื่อสร้างแบรนด์ของคน ๆ หนึ่ง ในฐานะครู McLean Bosch เชื่อว่าเธอมีสไตล์และความงามที่เป็นเอกลักษณ์ แต่จะบอกว่าเธอเป็นครู 'ร่วมสมัย' หากนั่นคือสิ่งที่นายจ้างกำลังมองหา
มีความตึงเครียดระหว่างโหมดการสร้างแบรนด์ของศิลปินและธุรกิจที่เน้นการเต้นอย่างไรก็ตาม Mahoney อธิบายว่าเธอต้องตั้งชื่อชั้นเรียนของครูบางคนสำหรับการประชุมของเธอแม้ว่าพวกเขาจะไม่ชอบให้สไตล์ของพวกเขาถูก 'จัดหมวดหมู่' ก็ตาม “ ฉันมีธุรกิจและต้องโฆษณา” เธอยืนยัน เมื่อพิจารณาถึงจุดนั้น McLean Bosch ชี้ให้เห็นถึงการประชุมที่สูญเสียธุรกิจจากการไม่เสนอชั้นเรียน 'ร่วมสมัย' ในขณะเดียวกันการแข่งขันได้จัดประเภทชิ้นงานของเธอว่า“ ทันสมัย” - เมื่อเธอเชื่อว่างานของเธอ“ ร่วมสมัย” มากกว่า“ สมัยใหม่”
มันเป็นปัญหาหรือไม่? เป็นสิ่งที่ดีหรือไม่? มันเป็นทั้งสองอย่าง? สิ่งสำคัญที่ต้องคำนึงถึงในแง่ของแนวทางการเรียนการสอนท่าเต้นการสร้างแบรนด์คืออะไร
Mahoney รู้สึกกังวลเมื่อพูดถึงนักเรียนเต้นรำที่มีพื้นฐานของเทคนิคการเข้ารหัสหรือไม่ 'คุณไม่สามารถ' ออกหนังสือ 'ได้ถ้าคุณไม่มีหนังสือเล่มนี้ตั้งแต่แรก” เธอยืนยัน ส่วนหนึ่งของการปลูกฝังรูปแบบการเต้นรำแบบเดิม ๆ ที่สำคัญนี้ในนักเรียนรุ่นใหม่คือ สอนประวัติศาสตร์นาฏศิลป์ - ที่มาของรูปแบบเหล่านี้ภายในบริบททางประวัติศาสตร์โดยรวม “ จากนั้นนักเรียนจะรู้ได้ว่าของร่วมสมัยเติบโตมาจากโพสต์โมเดิร์นและโพสต์โมเดิร์นออกไปจากสมัยใหม่เป็นต้นมาโฮนีย์ยืนยัน เท่าที่เธอเห็นก็เคารพและเชี่ยวชาญในรูปแบบดังกล่าว - และ มรดกทางประวัติศาสตร์ของพวกเขา - สร้างขึ้นเพื่อการออกแบบท่าเต้นการแสดงการเรียนการสอนและอื่น ๆ ที่แข็งแกร่งยิ่งขึ้น ตามคำพูดเดิม ๆ คุณต้องรู้ 'กฎ' ก่อนจึงจะ 'ทำลายมัน' ได้
เกล็นพาวเวลล์มูลค่าสุทธิ
Bettina Mahoney
ในที่สุด Kozuka และ McLean Bosch มองว่าเทรนด์ของรูปแบบนี้ผสมผสานและแพร่หลายเป็นสิ่งที่ดีซึ่งเป็นสิ่งที่สามารถช่วยให้ศิลปินได้พบกับเสียงที่สร้างสรรค์ที่แท้จริงของพวกเขาและสร้างผลงานที่ยอดเยี่ยม Kozuka คิดว่าแทนที่จะรู้สึกราวกับว่าเราต้องใส่ของลงใน“ กล่อง” มันเป็นพลังของเราที่จะสร้างกล่องใหม่ “ ถ้า [รูปแบบใหม่] ยืนหยัดเหนือกาลเวลาพวกเขาจะยึดติดหรือไม่ก็ไม่เป็นเช่นนั้น” เธอคิด “ มันกำลังจะเกิดขึ้น - รูปแบบใหม่ ๆ จะเกิดขึ้นและแนวเพลงเก่า ๆ ก็จะไม่มีราคา” McLean Bosch กล่าว
Stanfield ตรวจสอบความถูกต้องของการค้นพบรูปแบบการเคลื่อนไหวของตัวเอง“ แม้จะไม่มีกฎก็เป็นกฎได้” เธอชื่นชมพื้นที่สำหรับความคิดสร้างสรรค์และอิสระและชี้ให้เห็นว่านวัตกรรมทำให้เกิดความกลัวต่อการเปลี่ยนแปลงอยู่เสมอ (เช่น 'ความไม่พอใจจาก [ubitquity] ของโทรศัพท์มือถือ') ในท้ายที่สุด Mahoney เชื่อว่าศิลปินนาฏศิลป์นำประวัติการเคลื่อนไหวของตนเองมาจากคุณสมบัติเฉพาะของครูและนักออกแบบท่าเต้นที่พวกเขาเคยเรียนและเต้นมา โคซูกะยังเน้นย้ำประเด็นนี้ การรวบรวมและจากนั้นการส่งต่อมรดกทางโวหารและเทคนิคก็ดูเหมือนจะเป็นสิ่งที่น่าสนับสนุนเนื่องจากเป็นวิธีที่สนามเต้นรำเติบโตขึ้นจนเป็นอย่างที่เป็นอยู่
ace รางวัล 2017
Tracie Stanfield สอนที่ Broadway Dance Center
โลกแห่งการเต้นรำได้รับประโยชน์สูงสุดจากเทรนด์นี้อย่างไร?
Stanfield เน้นย้ำถึงความท้าทายสำหรับนักเต้นที่ทั้งหมดนี้สามารถสร้างได้ - ต้องทำ ฝึกใน 'ทุกสไตล์' “ เมื่อทุกอย่างมีความสำคัญในที่สุดก็ไม่มีอะไรสำคัญ” เธอเชื่อ. ดังนั้นการสนทนาที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับสิ่งที่เป็นไปได้และเข้าถึงได้สำหรับนักเต้นจึงดูเหมือนจำเป็น เกี่ยวกับความตึงเครียดระหว่างศิลปินสอนเต้นและเจ้าของธุรกิจเช่น McLean Bosch และ Mahoney ที่อธิบายไว้บางทีบทสนทนาเพิ่มเติมดังกล่าวอาจช่วยได้เช่นกัน ทั้งสองฝ่ายสามารถแสดงความต้องการและความปรารถนาของพวกเขาและการหาจุดร่วมกันอาจนำมาซึ่งฉันทามติที่ตกลงร่วมกันได้
เกี่ยวกับความกังวลของ Mahoney ที่มีต่อศิลปินเต้นรำที่เริ่มต้นจากพื้นฐานของเทคนิคที่ได้รับการประมวลผล - ความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคและความรู้เชิงบริบทที่ลึกซึ้งนักการศึกษาด้านการเต้นสามารถกำหนดหลักสูตรของตนโดยเริ่มจากการปลูกฝังพื้นฐานนั้นให้กับนักเรียนก่อนจากนั้นจึงแนะนำพวกเขาให้แตกแขนงไปยังสิ่งที่เป็นของตนเองมากขึ้น สำหรับ Kozuka การสำรวจพลวัตของอัตลักษณ์โวหารเหล่านี้ขึ้นอยู่กับศิลปินแต่ละคนที่จะเข้าใกล้ด้วยวิจารณญาณที่ดีที่สุดความซื่อสัตย์สูงสุดและความเป็นตัวของตัวเองอย่างสมบูรณ์ นั่นจะทวีคูณออกไปด้านนอกเพื่อสร้างโลกแห่งการเต้นรำที่เหมือนกัน
สแตนฟิลด์เชื่อว่า“ นักเต้นถูกดึงดูดให้ทำงานที่สอดคล้องกับพวกเขา…เรามีส่วนร่วมกับประสบการณ์และรูปแบบที่หล่อเลี้ยงและท้าทายเรา” ป้ายกำกับไม่จำเป็นต้องมีความหมายสำหรับเรามากเท่ากับป้ายสำหรับคนประเภทอื่น ๆ และเราสามารถนำความคิดที่ยืดหยุ่นมาสู่สถานการณ์ต่างๆได้ ด้วยวิจารณญาณที่ดีความซื่อสัตย์ความถูกต้องและความคิดที่ยืดหยุ่นเราสามารถนำทางพลวัตที่ซับซ้อนได้แม้กระทั่งสิ่งที่ยุ่งยากเช่นอัตลักษณ์โวหารการสร้างแบรนด์ของศิลปินเต้นรำส่วนบุคคลประเพณีเทียบกับความเป็นตัวของตัวเองและอื่น ๆ เริ่มทำสิ่งนี้กัน!
โดย Kathryn Boland จาก Dance Informs.
แนะนำสำหรับคุณ
