นักแสดงจากรายการบรอดเวย์ที่ได้รับรางวัลโทนี่ ชาวอเมริกันในปารีส ประกอบด้วยนักเต้นเป็นส่วนใหญ่ บางคนรวมถึงนักแสดงนำสองคน (บทบาทที่ต้องเต้นมาก และ ร้องเพลง) มาจาก บริษัท บัลเล่ต์ชั้นนำและไม่เคยมีงานร้องบนเวทีมาก่อน นักเต้นเหล่านี้พร้อมด้วยนักแสดงส่วนใหญ่ได้เปลี่ยนไปเป็นนักเต้นร้องเพลง การแสดงอื่น ๆ ก็เรียกร้องให้มีการเต้นและการร้องเพลงเล็กน้อยเช่นกัน
ไม่ว่าจะเป็นผลงานทั้งชุดในโรงละครเพลงหรือความฝันในการเป็นหัวหน้าวงบรอดเวย์การเพิ่มการร้องเพลงลงในละครของคุณสามารถทำให้คุณเป็นที่ต้องการของตลาดได้มากขึ้นในฐานะนักแสดงรอบด้าน ด้วยบทเรียนเกี่ยวกับเสียงบางอย่างอาจทำให้เกิดความมั่นใจขึ้นเล็กน้อยการออดิชั่นมากขึ้นและในทางกลับกันโอกาสและงานก็มากขึ้น
Dance Informa พูดคุยกับโค้ชแกนนำสามคนที่ทำงานใกล้ชิดกับนักเต้น พวกเขาอธิบายถึงประโยชน์ของบทเรียนเกี่ยวกับเสียงและวิธีที่คุณจะเปลี่ยนจาก 'นักเต้น' ไปเป็น 'นักเต้นที่ร้องเพลง' ได้
Bettina Sheppard สอนบทเรียนเสียงทั้งแบบส่วนตัวและแบบกลุ่มสำหรับนักเต้น ภาพโดย Tess Steinkolk
“ ในอดีตความรับผิดชอบในการร้องเพลงของนักเต้นบนเวทีละครเวทีนั้นค่อนข้างน้อยหรือพวกเขาไม่คาดคิดว่าจะได้ร้องเพลงเลยเพราะมักจะมีการขับร้องโดยเฉพาะและการขับร้องโดยเฉพาะ” สตีเฟนเพอร์ดีผู้ก่อตั้งและครูใหญ่อธิบาย โค้ชที่ New York Vocal Coaching Studio และผู้เขียน เพลงประกอบละครเพลง: หลักสูตรที่ครอบคลุมในการคัดเลือกการเตรียมการและการนำเสนอสำหรับนักแสดงสมัยใหม่ (วางจำหน่ายในเดือนกุมภาพันธ์และวางจำหน่ายในวันที่ Amazon.com ). “ ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 1960 เป็นต้นมานักเต้นในการแสดงได้รับการคาดหวังว่าจะมีนักร้องนำที่มีขนาดใหญ่ขึ้นเรื่อย ๆ และในหลาย ๆ รายการจะต้องร้องเพลงด้วยความกล้าหาญโดยเฉพาะในยุคปัจจุบัน ไม่มีอีกต่อไปแม้กระทั่งในการนำเสนอละครเพลงเก่าแก่ที่มีการฟื้นฟูอีกต่อไป แต่นักเต้นก็เป็นหน่วยงานแบบสแตนด์อะโลนโดยทิ้งการร้องเพลงให้กับนักร้อง ตอนนี้นักเต้นคาดว่าจะเก่งทั้งคู่เนื่องจากนักร้องทั้งสองได้รวมกันเป็นหนึ่งเดียว”
ในทำนองเดียวกัน Bettina Sheppard ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของ Sheppard Academy of Vocal Arts และคณาจารย์จาก Broadway Dance Center และ City College of New York ชี้ให้เห็นว่านักเต้นจะได้รับประโยชน์จากการฝึกร้องในลักษณะเดียวกับที่นักร้องควรมีการฝึกเต้นและการเคลื่อนไหว โดยเฉพาะอย่างยิ่งนักเต้นที่สนใจประกอบอาชีพด้านการแสดงละครเวทีต้องมีการเรียนร้องเพลง
“ เสียงเป็นเครื่องมือในการเรียนรู้และฝึกฝนและใช่มันสามารถเรียนรู้ได้!” Sheppard ให้กำลังใจ “ หากนักเต้นเพิ่มการศึกษาเกี่ยวกับเสียงร้องก็จะทำให้พวกเขาหล่อขึ้นอย่างล้นหลาม มีนักเต้นชั้นดีหลายคนที่สูญเสียงานไปเพราะพวกเขายังไม่ได้เรียนรู้วิธีการใช้เสียงของพวกเขา”
คุณเคยเห็นโพสต์การออดิชั่นที่เรียกร้องให้ 'นักเต้นที่ร้องเพลงได้ดี' และตกใจกลัวหรือไม่? การฝึกร้องภายใต้เข็มขัดของคุณอาจเปลี่ยนปฏิกิริยานั้นได้อย่างแน่นอน ในความเป็นจริงนักเต้นที่ใช้เวลาหลายปีในการฝึกฝนร่างกายและเรียนรู้ทักษะใหม่ ๆ อาจมีข้อได้เปรียบเมื่อต้องเรียนรู้วิธีใช้ 'กล้ามเนื้อ' เสียง
“ ฉันพบว่านักเต้นมีความปรารถนาอย่างแรงกล้าที่จะเรียนรู้ที่จะเป็นนักร้องที่ดีและทุ่มเทกับมันมาก” โจเซฟไมเคิลฟาลดูติผู้สอนด้านเสียงของ โจเซฟไมเคิลสตูดิโอเสียง สำหรับนักเรียนทางตอนเหนือของรัฐนิวเจอร์ซีย์และนิวยอร์กซิตี้ “ พวกเขามีการรับรู้ที่ดีเกี่ยวกับร่างกายและความรู้สึกของสิ่งต่างๆดังนั้นพวกเขาจึงเริ่มต้นได้อย่างยอดเยี่ยมแล้ว นอกจากนี้นักเต้นยังได้เรียนรู้ระเบียบวินัยที่น่าทึ่งดังนั้นพวกเขาจึงนำจรรยาบรรณในการทำงานอย่างมากมาใช้ในการฝึกร้องของพวกเขา”
นักเต้นสามารถเรียนด้วยเสียงได้ทั้งแบบกลุ่มหรือแบบตัวต่อตัวหรือทั้งสองแบบรวมกัน แม้ว่าบทเรียนส่วนตัวอาจเป็นประโยชน์มากที่สุด แต่ด้วยความสนใจเป็นรายบุคคล แต่ชั้นเรียนร้องกลุ่มเป็นประสบการณ์เบื้องต้นที่ดีโดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าคุณรู้สึกลังเลหรือประหม่า ตัวอย่างเช่น Sheppard สอนคลาสกลุ่มที่ Broadway Dance Center ในทำนองเดียวกัน Purdy สอนชั้นเรียนชื่อ“ The Dancer’s Voice” ผ่าน Stage Door Connections ในนิวยอร์ค
โค้ชแกนนำ Stephen Purdy ในระหว่างการสัมมนา Stage Door Connections: Dancer’s Voice ได้รับความอนุเคราะห์จาก Stage Door Connections
#มีการเปลี่ยนแปลง
บทเรียนเกี่ยวกับเสียงจะแตกต่างกันไปตามครูแต่ละคน แต่ตัวอย่างเช่น Sheppard มักจะเริ่มต้นด้วยแบบฝึกหัดที่ออกแบบมาเพื่อปลูกฝังความจำของกล้ามเนื้อสำหรับเทคนิคการร้องที่เหมาะสม เธอเปรียบสิ่งนี้กับนักเต้นบัลเล่ต์บาร์ '' การกระทำทางกายภาพซ้ำ ๆ เพื่อสอนเสริมสร้างและเสริมสร้างเสียงที่มีสุขภาพดีและหนักแน่น '
จากนั้น Sheppard ก็รวมเอาดนตรีคลาสสิกสั้น ๆ เพื่อเป็นแนวทางในการกำหนดรูปแบบของคำ จากนั้นนักเรียนสามารถเริ่มสร้างเพลงของพวกเขาเพื่อใช้ในการออดิชั่นได้เมื่อเวลาผ่านไป
Sheppard, Falduti และ Purdy ล้วนสอนนักเรียนและผู้เชี่ยวชาญในทุกระดับความสามารถและกล่าวว่าความก้าวหน้าในการร้องเพลงของนักเต้นเป็นเรื่องเฉพาะตัวเหมือนกับเทคนิคการเต้น
“ การฝึกฝนอย่างสม่ำเสมอและความอดทนเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับนักเต้นที่เพิ่งเริ่มฝึกร้อง” Falduti กล่าว “ ถ้าคุณพบว่าคุณกำลังปรับปรุงการประสานเสียงของคุณเป็นประจำนั่นคือความสำเร็จ!”
“ หากไม่มีการฝึกฝนภายนอกเพื่อเสริมสร้างพฤติกรรมใหม่และการสร้างความจำของกล้ามเนื้อนักเรียนอาจพบว่าเขาหรือเธอกำลังเรียนบทเรียนเสียงเดียวกันซ้ำแล้วซ้ำเล่า” Purdy กล่าวเสริม “ นี่เป็นเรื่องที่น่าหงุดหงิดสำหรับทั้งนักเรียนและครูดังนั้นฉันจึงเน้นย้ำถึงความสำคัญของการฝึกฝนและความพากเพียร”
เมื่อเข้าร่วมการออดิชั่นที่คุณต้องร้องเพลงโค้ชแกนนำกล่าวว่าความมั่นใจบุคลิกภาพและความสามารถในการเล่าเรื่องเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง นอกจากนี้การร้องเพลง“ สุขสันต์วันเกิด” อาจไม่ใช่การเลือกเพลงที่ดีที่สุด
“ การร้องเพลงอย่าง“ สุขสันต์วันเกิด” จะไม่ถูกนำมาใช้อย่างจริงจังในโลกของมืออาชีพ” Purdy อธิบาย “ โลกของมืออาชีพมีการแข่งขันสูงเกินไป”
แล้วเราจะเลือกเพลงออดิชั่นที่เหมาะสมได้อย่างไร?
“ เลือกเพลงที่เหมาะกับคุณไม่ใช่แนวอื่น” Falduti แนะนำ “ เลือกสิ่งที่เข้ากับเสียงของคุณได้ดีและเปลี่ยนคีย์หากจำเป็น มองหาเพลงที่เหมาะกับบุคลิกและตัวคุณ ความรัก . ถ้าการร้องเพลงแล้วรู้สึกว่าเป็นงานที่น่าเบื่อให้กำจัดมันออกไปและหาสิ่งที่รู้สึกถูกต้อง! พบโค้ชหากคุณมีปัญหาในการหาวัสดุ หากคุณกำลังออดิชั่นสำหรับการผลิตละครเพลงระดับมืออาชีพคุณควรมีครูสอนเสียงที่มีความรู้เกี่ยวกับอุตสาหกรรมและละครเพลงมากพอที่จะให้เนื้อหาที่คุณร้องเพลงได้ดี และ ที่เหมาะสำหรับการออดิชั่น”
โวคอลโค้ชโจเซฟไมเคิลฟาลดูติสนับสนุนให้นักเต้นศึกษาเทคนิคการร้อง ภาพโดย Peter Leigh-Nilsen
และบางทีสิ่งที่สำคัญพอ ๆ กับการค้นหาเพลงที่เข้ากันได้ดีกับเสียงและความสามารถของคุณก็คือความสามารถ พระราชบัญญัติ กับเพลงนั้น
“ การออดิชั่นเสียงที่ดีนั้นเกี่ยวกับการแสดงจริงๆ” Sheppard อธิบาย “ เราจำเป็นต้องเล่าเรื่องราวของเพลงและอาศัยอยู่ในตัวละคร คนที่เดินเข้ามาในห้องด้วยความมั่นใจแม้ว่าคุณจะไม่ได้อยู่ - และดูเหมือนจะสนุกไปกับตัวละครและเรื่องราวของเพลงคือคนที่เราอยากร่วมงานด้วย เราทุกคนมีช่วงเวลาที่ต้องจดจ่อกับความต้องการทางเทคนิค แต่เราจำเป็นต้องครอบคลุมและรักษาความตั้งใจในการแสดงที่แข็งแกร่งไว้ให้ได้”
โค้ชนักร้องหลายคนชอบทำงานกับนักเต้นเนื่องจากโดยปกติแล้วนักเต้นมักจะทำงานหนักและมีระเบียบวินัย
“ พวกเขาเป็นผึ้งงานนักล่าและผู้ที่สมบูรณ์แบบในประสบการณ์ของฉัน” Purdy กล่าว“ และลักษณะเหล่านี้ทำให้ผู้สมัครที่แข็งแกร่งประสบความสำเร็จในละครเพลง”
“ ฉันชอบการสอนนักเต้นมาก” Sheppard กล่าวเสริม “ ฉันเป็นครูสอนเทคนิคมากและฉันพบว่าฉันสามารถแก้ไขทางกายภาพที่นักเต้นจะย้ายเข้าไปได้อย่างง่ายดายเพราะพวกเขาเคยชินกับการปรับตัวแบบนั้น นักเต้นยังมีความแข็งแรงทางกายภาพและการควบคุมและหวังว่าจะมีความเข้าใจเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์ และที่สำคัญที่สุดคือจรรยาบรรณในการทำงานที่เข้มแข็งและมีความสุข”
การฝึกฝนเทคนิคการร้องของคุณโดยเฉพาะภายใต้การดูแลของโค้ชนักร้องสามารถทำให้คุณสามารถทำการตลาดและมีความเกี่ยวข้องในโลกศิลปะการแสดงได้ แต่ยังช่วยให้คุณมีสุขภาพที่ดี
“ มันง่ายที่จะทำลายเสียงของคุณหากคุณร้องเพลงด้วยความเครียด” Sheppard กล่าว “ ความเจ็บปวดหรือความรู้สึกไม่สบายเป็นวิธีที่ร่างกายของคุณบอกคุณว่ามีบางอย่างผิดปกติและคุณไม่ควรเพียงแค่ ‘ทำงานผ่านมัน’ ครูสามารถระบุปัญหาและช่วยเหลือคุณในการแก้ไขที่จำเป็น นี่คือการซื้อคุณมีอิสระในการเลือกมากขึ้นในชีวิตการทำงาน ยิ่งคุณมีความสามารถหลากหลายมากเท่าไหร่โอกาสในการทำงานที่ยาวนานและน่าพอใจก็ยิ่งดีขึ้น”
โดย Laura Di Orio จาก Dance Informs.
ภาพ (บน): โค้ชแกนนำ Stephen Purdy ในระหว่างการสัมมนา Stage Door Connections: Dancer’s Voice ได้รับความอนุเคราะห์จาก Stage Door Connections
แนะนำสำหรับคุณ
