'Vollmand' ของ Pina Bausch ภาพโดย Julieta Cervantes เมื่อปีที่แล้วฉันกำลังซ้อมการแสดงซึ่งเป็นโรงละครเต้นรำที่ดัดแปลงมาจากละครเทนเนสซีวิลเลียมส์ในสตูดิโอใจกลางเมืองในนิวยอร์ค หลังจากนั้นในวันนั้นฉันได้รับอีเมลแจ้งว่าฉันไม่สามารถซ้อมละครในสตูดิโอเต้นรำได้ ฉันรีบเขียนคำตอบที่ไม่เต็มใจที่จะอธิบายถึงธรรมชาติของโรงละครเต้นรำ ฉันเป็นศิลปินเต้นเป็นอันดับแรกและสำคัญที่สุดและงานที่ฉันทำต้องอาศัยการเต้น นอกจากนี้สตูดิโอของโรงละครมักมีพื้นคอนกรีตมีพื้นที่เล็กลงและมีเก้าอี้และอุปกรณ์ประกอบฉากรกซึ่งทำให้ไม่ปลอดภัยสำหรับนักเต้น ฉันมีคำตอบมากมายไม่ว่าจะเป็นความโกรธความกลัวความสับสนความหงุดหงิด สตูดิโอนี้มีสไตล์การแสดงที่แตกต่างกัน เหตุใดรูปแบบศิลปะที่ฉันทำงานจึงถูกตั้งคำถาม? สิ่งต่างๆได้รับการแก้ไขอย่างง่ายดาย แต่ทำให้ฉันสงสัยว่าทำไมโรงละครเต้นรำถึงเข้าใจผิด?
โรงละครเต้นรำคืออะไร?
Nicole Colbert Dance / Theatre’s 'Lovers and Strangers' ภาพถ่ายโดย Per Morten Abrahamsen
โรงละครเต้นรำเป็นรูปแบบศิลปะการเต้นรำที่โลกถูกสร้างขึ้นผ่านปฏิสัมพันธ์ทางร่างกายและจิตใจบนเวที Roland Langer (1984) ยกตัวอย่างองค์ประกอบต่างๆเช่นการวาดภาพเกี่ยวกับ“ การเต้นรำการพูดการร้องเพลงการแสดงละครแบบเดิม ๆ และการใช้อุปกรณ์ประกอบฉากชุดและเครื่องแต่งกายในหนึ่งเดียว โดยปกติแล้วจะไม่มีพล็อตแทน แต่จะมีการนำเสนอสถานการณ์เฉพาะความกลัวและความขัดแย้งของมนุษย์” ด้วยเหตุนี้จึงมักเป็นแนวความคิดมากพอ ๆ กับการแสดงละครและทางกายภาพ
ประวัติศาสตร์
ต้นกำเนิดของโรงละครเต้นรำมาจากรูดอล์ฟลาบัน (พ.ศ. 2422-2501) เคิร์ตจูอสส์ (2444-2522) และแมรี่วิกแมน (พ.ศ. 2429-2516) ซึ่งพัฒนารูปแบบการเต้นรำที่แสดงออกซึ่งเรียกในภาษาเยอรมันว่า Ausdruckstanz พวกเขาได้รับแรงบันดาลใจจากช่วงต้น 20ธการเคลื่อนไหวในการแสดงออกของชาวเยอรมันในศตวรรษที่ผ่านมาในการวาดภาพซึ่งพยายามเน้นความรู้สึกและความคิดภายในมากกว่าการจำลองความเป็นจริง หลังจากสงครามโลกครั้งที่หนึ่งศิลปินเห็นว่าวิธีการทำสิ่งต่างๆหยุดนิ่ง ในการเต้นรำบัลเล่ต์ถือเป็นประเภทของคนยุคเก่าที่ไม่ได้แสดงออกถึงตัวบุคคลและการตอบสนองตามสถานการณ์เช่นความกลัวและความปรารถนาที่จะเกิดขึ้นในสงครามและผลพวง
'Nefés' ของ Pina Bausch ภาพโดย Stephanie Berger
laura san giacomo bra size
Pina Bausch ซึ่งเป็นสาวกของ Jooss (พ.ศ. 2483-2552) ถือเป็นคนดังแห่งโรงละครเต้นรำ Royd Climenhaga (2018) ชี้ให้เห็นว่า Bausch ซึ่งเป็นนักออกแบบท่าเต้นอายุน้อยในทศวรรษ 1960 ไม่เพียง แต่ได้รับอิทธิพลจากผลงานของเธอกับ Jooss และ German Expressionism เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการทดลองของศิลปินโรงละครที่พยายาม“ สร้างโลกแห่งเวที มากกว่าโลกบนเวที” ในเวลานั้น
งานของ Bausch ไม่มีส่วนโค้งการแสดงละครแบบดั้งเดิม แต่จะสร้างเป็นชุดแบบสะเปะสะปะและได้รับแรงบันดาลใจจากธีมหรือสถานที่ บนเวทีโลกทางกายภาพถูกสร้างขึ้นโดยใช้สัญลักษณ์ที่เป็นสัญลักษณ์เช่นน้ำดอกไม้ดินและเศษหินหรืออิฐ ในโลกนี้นักแสดงพูดวิ่งเต้นปาดเหงื่อตีกันและหน้ามืดตามัว การตอบสนองของแต่ละบุคคลต่อประสบการณ์ของมนุษย์นั้นแสดงออกมาอย่างเข้มข้นและคำศัพท์เกี่ยวกับการเคลื่อนไหวมีความแตกต่างและแสดงออกได้ชัดเจน ผลงานของเธอช่วยในการพิจารณาความงามอย่างจริงจังเกี่ยวกับแนวเพลงในยุโรป
โรงละครเต้นรำบนดินอเมริกัน
Bill T. Jones / Arnie Zane Company ใน 'Still / Here' ภาพถ่ายโดย Dan Rest ได้รับความอนุเคราะห์จาก BAM Hamm Archives
รองเท้าบัลเล่ต์ใหม่
โรงละครเต้นรำไม่มีประเพณีทางประวัติศาสตร์ในสหรัฐอเมริกาและด้วยเหตุนี้จึงไม่ได้รับความนิยมเท่าที่ควร ผู้บุกเบิกการเต้นรำสมัยใหม่ในยุคแรก ๆ เช่น Martha Graham, Sophie Maslow และ Anna Sokolow ได้สร้างการเต้นรำที่มีธีมที่เป็นที่รู้จักทางสังคมและพัฒนาคำศัพท์เกี่ยวกับการเต้นรำที่แสดงออก แต่ในช่วงทศวรรษที่ 1940 มีการย้ายออกจาก Expressionism ไปสู่การเต้นรำแบบนามธรรมซึ่งเป็นรูปแบบของงาน ของ Merce Cunningham
อย่างไรก็ตามในช่วงเวลาสั้น ๆ ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1980 ถึงทศวรรษ 1990 นักออกแบบท่าเต้นรุ่นใหม่ได้ปรากฏตัวขึ้นซึ่งถือได้ว่าเป็นศิลปินโรงละครเต้นรำ นักออกแบบท่าเต้นเหล่านี้ ได้แก่ Bill T.Jones / Arnie Zane, Doug Varone, Bebe Miller, Ralph Lemon, Sara Pearson และ Patrik Widrig และ Tere O'Connor ซึ่งยังคงสร้างสรรค์ผลงานอยู่ในปัจจุบันเป็นนักเต้นใจกลางเมืองในนิวยอร์คที่สำรวจการเมืองและสังคม รูปแบบและการสร้างงานที่คล้ายกับโรงละครเต้นรำของยุโรปที่มีการผสมผสานระหว่างการเต้นรำและการละครคำพูดการแสดงละครสะเปะสะปะและการใช้ร่างกายเป็นที่ตั้งในการแสดงออก พวกเขาคงรู้จักผลงานของผู้บุกเบิกการเต้นรำสมัยใหม่ในยุคแรก ๆ เช่นเดียวกับที่เคยเห็นหรือรับรู้ถึงผลงานการทดลองที่ออกมาจากโรงละคร Judson ในปี 1960 ซึ่งศิลปินได้ผสมผสานแนวเพลงเข้าด้วยกันและท้าทายบรรทัดฐานความงามของการแสดง .
'Steps of Silence' ของ Anna Sokolow ภาพโดย Steven Pisano
ทศวรรษที่ 1980 เช่นเดียวกับทศวรรษที่ 1960 เป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและการเมืองครั้งใหญ่และศิลปินแต่ละคนได้รับผลกระทบอย่างมากจากภาวะเศรษฐกิจถดถอยในยุคเรแกนการแพร่ระบาดของโรคเอดส์การเพิ่มขึ้นของลัทธิอนุรักษ์นิยมแบบใหม่ และผู้หญิงที่แสดงออกในสังคมประจำวัน มิลเลอร์ระบุว่างานของเธอ“ มีรากฐานมาจากสภาพของมนุษย์” แนวความคิดทางศิลปะนี้รวบรวมความกังวลของนักออกแบบท่าเต้นรุ่นนี้และชวนให้นึกถึงแรงกระตุ้นของผู้ผลิตโรงละครเต้นรำในเยอรมันและยุโรปอื่น ๆ ในยุคแรก ๆ
ในตอนท้ายของทศวรรษ 1990 การเต้นรำได้เปลี่ยนเพลงอีกครั้งและเน้นไปที่การออกแบบท่าเต้นที่เป็นนามธรรมและการเคลื่อนไหว โรงละครเต้นรำกลายเป็นสิ่งผิดปกติ
และตอนนี้?
ในสหรัฐอเมริกามีความสนใจในโรงละครเต้นรำเป็นจำนวนมาก นักวิจารณ์การเต้น Siobhan Burke (2017) อ้างถึง Annie B.Parson, Okwui Okpokwasili และ Faye Driscoll ในฐานะศิลปินโรงละครเต้นรำในปัจจุบัน ควรเพิ่ม David Neumann และ Raja Feather Kelly ในรายการนั้น เมื่อผู้ผลิตนาฏศิลป์หันมาสนใจโรงละครเต้นรำมากขึ้นเรื่อย ๆ แต่ก็ยังมีความยากอยู่บ้างในแง่ของเอกลักษณ์ ไม่มีแม้แต่การสะกดแบบรวมในภาษาอังกฤษ ห้องสมุดรัฐสภาอ้างอิง โรงละครเต้นรำ (ภาษาเยอรมัน) เป็นชื่อโรงละครเต้นรำของยุโรป แต่เป็นภาษาอังกฤษ เต้นรำ / โรงละคร , โรงละครเต้นรำ และ เต้นรำโรงละคร . นอกเหนือจากความหมายแล้วความท้าทายที่แท้จริงที่ต้องเผชิญในดินแดนอเมริกันอยู่ในขอบเขตของโอกาสในการฝึกอบรมและการแสดง
Pina Bausch 'เหมือนตะไคร่น้ำบนหินโอ้ใช่ใช่ใช่ ... ภาพโดย Stephanie Berger
นิตยสารชุดเต้น
การฝึกอบรมสำหรับนักเต้นที่ต้องการแสดงในโรงละครเต้นรำเป็นสิ่งสำคัญ ในคอนเสิร์ตที่ฉันเห็นโดยนักออกแบบท่าเต้นที่กำลังจะมาถึง (เรียกเก็บเงินเป็นโรงละครเต้นรำ) งานนี้อาศัยการบรรยายอย่างมาก แต่นักเต้นไม่มีทักษะในการพูดด้วยเสียงบนเวที ประสบการณ์นี้น่าหงุดหงิดมากเช่นการฟังเพลงโดยใช้หูฟังตัวเดียวจูนเข้าและออก
นอกจากนี้ภัณฑารักษ์ของโรงละครขนาดเล็กที่นำเสนอการเต้นรำสามารถสร้างพื้นที่โดยเจตนาสำหรับโรงละครเต้นรำเมื่อมีการเขียนโปรแกรม ในการทำเช่นนี้พวกเขาจะให้โอกาสศิลปินมากขึ้นในการพัฒนาความคิดและแก้ไขประเด็นที่สร้างสรรค์ (เช่นการพูดบนเวที) เป็นไปได้ว่าผู้ให้ความช่วยเหลือจะไม่นำเสนอโรงละครเต้นรำเนื่องจากมีความยากในการกำหนดแนวเพลง ยิ่งไปกว่านั้นหากไม่มีการสะกดแบบรวมผู้ดูแลอาจไม่รู้ด้วยซ้ำว่าจะเริ่มจากตรงไหน เป็นผลให้สูญเสียโอกาสสำคัญมากมายสำหรับศิลปินนาฏศิลป์
แนวความคิดของวงการศิลปะอเมริกันในอดีตได้รับการทดลองอย่างมากมาโดยตลอด ในขณะเดียวกันสังคมอเมริกันก็ขับเคลื่อนด้วยป้าย ค่านิยมทั้งสองนี้มักจะผลักไสการเคลื่อนไหวและรูปแบบทางศิลปะไปที่ข้างสนาม บางทีอาจถึงเวลาที่ต้องเลิกกังวลเกี่ยวกับวิธีการติดฉลากหรือกำหนด ปล่อยให้มันเป็นอย่างที่เป็นอยู่: ศิลปะการเต้นรำที่ใช้รูปแบบที่ผสมผสานกัน แต่เรามาดูประเด็นที่จะทำให้มีโอกาสพัฒนาและเติบโตในดินแดนอเมริกาและกลายเป็นของตัวเอง
โดย Nicole Colbert จาก Dance Informs.
