'Walled Reach' ของ Erin Carlisle Norton ภาพโดย Kathyrn Butler ดูเหมือนว่าจะโดนใจนักเรียนนาฏศิลป์หลายคนเมื่อจบการศึกษา: “ ตอนนี้เป็นอย่างไร ?” เราจะใช้เครื่องมือทักษะและเครือข่ายจากวิชาการเต้นรำเพื่อสร้างชีวิตที่ยั่งยืนในวงการนาฏศิลป์ได้อย่างไร? ก่อนเรียนจบต่างกันอย่างไร? โลกแห่งการเต้นรำเชิงวิชาการสามารถเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับการเปลี่ยนแปลงเหล่านั้นได้ดีขึ้นหรือไม่และโลกแห่งการเต้นรำทางวิชาการจะเป็นพันธมิตรที่เป็นประโยชน์มากขึ้นด้วย การเต้นรำที่เกิดขึ้น 'นอกมหาวิทยาลัย' เหรอ? เราควรพิจารณาแง่มุมใดบ้างเมื่อพิจารณา BFA หรือ MFA ในการเต้นรำ?
หากต้องการเจาะลึกลงไปในคำถามเหล่านี้และคำถามอื่น ๆ Dance Informa ได้พูดคุยกับศิลปินเต้นรำสี่คนพร้อมข้อมูลเชิงลึกที่มีคุณค่าเกี่ยวกับวงดนตรีการเต้นรำทั้งในด้านวิชาการและวิชาชีพ ได้แก่ Autumn Eckman, MFA, นักเต้นของ Hubbard Street Dance Chicago และผู้ช่วยผู้กำกับศิลป์ / นักออกแบบท่าเต้นประจำของ Giordano Dance Chicago Stephen Ursprung, MFA, ศาสตราจารย์ด้านการเต้นรำที่ Dean College และผู้อำนวยการผู้ก่อตั้ง Reject Dance Theatre (Boston, MA) Ellice Patterson, MS, ผู้อำนวยการผู้ก่อตั้ง Abilities Dance Boston และ Erin Carlisle Norton, MFA ผู้อำนวยการผู้ก่อตั้ง The Moving Architects (NJ / NYC ).
ฤดูใบไม้ร่วง Eckman
ศิลปินเต้นรำบางคนเช่น Eckman รู้ดีว่าพวกเขาต้องการมีส่วนร่วมกับสถาบันการศึกษาและการแสดงคอนเสิร์ตระดับมืออาชีพ เมื่อเธอได้รับปริญญาโทสาขาการเต้นที่มหาวิทยาลัยโอไฮโอและต่อมาได้รับตำแหน่งการสอนที่มหาวิทยาลัยแอริโซนาในขณะที่ยังคงทำงานและแสดงอยู่เธอก็ไม่พบว่าเป้าหมายนั้นไม่สามารถเข้าถึงได้ (หากต้องรักษาไว้ได้อีกมาก) เธอมองว่าภาคส่วนเหล่านี้ของโลกแห่งการเต้นรำ“ ไม่แตกต่างกัน” และเสริมว่า“ ชุมชนของพวกเขาสัมพันธ์กันมาก”
เอคแมนมองเห็นชุมชนเหล่านี้ซึ่งมักถูกสร้างขึ้นในระดับอุดมศึกษาเป็นเรื่องที่กว้างไกลต่อเนื่องและให้การสนับสนุน บัณฑิตวิทยาลัยด้านนาฏศิลป์ยังเป็นสถานที่ที่เธอได้เรียนรู้ทักษะการเขียนและการบริหารรวมถึงความสามารถในการพูดเกี่ยวกับงานของเธอและฟังคนอื่นพูดเกี่ยวกับเรื่องนี้ในรูปแบบที่สร้างสรรค์ ระดับอุดมศึกษาสามารถเริ่มต้นการเป็นนักเต้นใน“ เส้นทางแห่งการเรียนรู้ว่าแท้จริงแล้วพวกเขาคือใครในฐานะศิลปิน” เธอเชื่อ
Ursprung พบในวิชาการเต้นรำซึ่งเป็นเส้นทางที่เปลี่ยนไปจากการเต้นรำเชิงพาณิชย์หรือ บริษัท เต้นคอนเสิร์ตขนาดใหญ่ซึ่งเมื่ออายุน้อยกว่าเขามองว่าเป็นหนทางที่เป็นไปได้ในการเต้นอย่างมืออาชีพ เขาสามารถดำรงตำแหน่งศาสตราจารย์และผู้อำนวยการหลักสูตรการแต่งเพลงในขณะที่ดำเนินการโรงละคร Reject Dance และเต้นรำใน REP (Repertory Etudes Project)
ลีอาห์ ฮอฟมานน์
ต้นกำเนิดสตีเฟน
“ งานระดับบัณฑิตศึกษาของฉันเตรียมให้ฉันทำงานวิจัยอย่างดี” เขาเล่า “ โครงการออกแบบท่าเต้นเป็นโครงการวิจัย คุณต้องจัดหาแหล่งข้อมูลคิดอย่างมีวิจารณญาณเกี่ยวกับสิ่งที่คุณพบสร้างร่างแก้ไขรับคำติชมแก้ไขและคัดลอกการแก้ไข” ส่วนหนึ่งของทักษะความเข้มงวดเหล่านี้ที่บัณฑิตวิทยาลัยสร้างขึ้นในตัวเขายังคงรวมถึง กระบวนการตอบรับ (การให้และรับ) และแง่มุมต่างๆที่เกี่ยวข้องกับการนำงานไปสู่เวทีในที่สุด เขาไม่เชื่อว่าการศึกษาระดับอุดมศึกษาเป็นเพียงสถานที่เดียวที่จะได้รับทักษะเหล่านี้ แต่เป็นกุญแจสำคัญ
สำหรับ Carlisle Norton การศึกษาระดับปริญญาของเธอมอบเครื่องมือและมุมมองที่มีคุณค่าวิธีตอบสนองความหิวกระหายในการเรียนรู้และความอยากรู้อยากเห็นตามธรรมชาติและสร้างชุมชนศิลปินที่เธอยังคงเรียกว่าเพื่อนและเพื่อนร่วมงานจนถึงทุกวันนี้ ในฐานะนักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษาด้านการเต้นที่มหาวิทยาลัยแห่งรัฐโอไฮโอเธอได้รับการฝึกฝนในด้านต่างๆเช่นการบริหารศิลปะการตัดต่อวิดีโอและ Photoshop ซึ่งเธอเรียกร้องให้ The Moving Architects
เป็นเวลาหนึ่งปีของการศึกษาระดับบัณฑิตศึกษาเธอได้ฝึกฝนและทำงานเป็นครูสอนพิลาทิสและสามารถสอนในตอนเช้าก่อนที่จะไปเรียนในช่วงบ่าย เธอสนับสนุนให้หางานแบบนั้นในขณะที่เรียนเต้นรำหรือทำงานในสถานที่ที่มีความยั่งยืนทางการเงินมากขึ้นในฐานะศิลปินเต้นรำ“ สิ่งที่อิงกับร่างกายและให้ความสำคัญกับรูปแบบงานศิลปะของคุณ” อีกสองปีเธอทำงานเป็นผู้ช่วยสอนระดับบัณฑิตศึกษาโดยให้ค่าเล่าเรียนและค่าจ้าง
การย้ายสถาปนิกในการซ้อม ภาพโดย Gwen Charles
แพตเตอร์สันเรียนชีววิทยาระดับปริญญาตรีจากนั้นศึกษาธุรกิจผ่านหลักสูตรประกาศนียบัตรของอาจารย์ เช่นเดียวกับ Carlisle Norton เธอยืนยันว่าสามารถเรียกใช้แนวคิดมุมมองและทักษะเฉพาะจากประสบการณ์ทางวิชาการในงานศิลปะและความเป็นผู้นำของ บริษัท ของเธอ ตัวอย่างเช่นการศึกษาชีววิทยาทำให้เธอมีความรู้เกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์กายภาพและวิธีการทำงานของระบบต่างๆในโลกธรรมชาติ แรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์จากประสบการณ์การศึกษาระดับอุดมศึกษาเหล่านี้ได้เกิดขึ้นเช่นกันเช่นในการสร้างผลงานจากภาพวาดเรือใบที่เชื่อมต่อกับการแล่นเรือข้ามมหาสมุทรแอตแลนติกผ่านการศึกษาชีววิทยาของเธอ
มาเรีย เทเลอร์ สามี
ธุรกิจเสนอความรู้และเครื่องมือในการสร้างสุขภาพทางการเงินและความยั่งยืนของ บริษัท ตลอดจนความสามารถในการเป็น“ ผู้มีอำนาจตัดสินใจอย่างรวดเร็วในการแยกแยะข้อเท็จจริงและตอบสนองในทันทีอย่างมีประสิทธิภาพที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้” แม้ว่าเธอจะไม่มีวุฒิการศึกษาขั้นสูงด้านการเต้น แต่ประสบการณ์การเรียนรู้เชิงลึกเช่น Bates Dance Festival และ Urbanity Dance Summer Intensive (Boston, MA) เป็นประเภทการศึกษาระดับสูงสำหรับเธอ แต่เธอเชื่อ
โดยเฉพาะอย่างยิ่งประสบการณ์ของ Eckman และ Ursprung เป็นเครื่องยืนยันถึงความเชื่อมโยงระหว่างกันของวงดนตรีวิชาการและวิชาชีพ ในทางกลับกัน Ursprung และ Carlisle Norton ชี้ให้เห็นถึงความแตกต่างที่สำคัญบางประการระหว่างภาคส่วนเหล่านี้ ประการแรกพื้นที่สำหรับการซ้อมนั้นไม่มีค่าใช้จ่ายในสภาพแวดล้อมการเต้นรำเชิงวิชาการและมักจะมีระยะเวลาที่ยาวกว่าสำหรับการสร้างผลงาน ในกรณีส่วนใหญ่มีความกดดันด้านเวลาน้อยกว่ามากและมีเวลามากขึ้นในการดำดิ่งลงไปใช้ชีวิตอยู่กับงานในขณะที่สร้างมันขึ้นมา ศิลปินทั้งสองยอมรับว่าสิ่งนี้เป็นส่วนประกอบสำคัญในวิวัฒนาการความคิดสร้างสรรค์ที่เกิดขึ้นกับศิลปินในระดับอุดมศึกษา แต่ยังเป็นสิ่งที่นักเรียนควรเตรียมพร้อมที่จะไม่ต้องใช้ปลายนิ้วหลังจากสำเร็จการศึกษา
“ การเต้นรำจำนวนมากในสถาบันการศึกษากลายเป็นเรื่องลึกลับจนสูญเสียความสามารถในการเข้าถึงที่ดึงดูดใจของผู้ชมซึ่งมีแนวโน้มที่จะถูกโยนทิ้งไปเพื่อสนับสนุนลัทธิปัญญานิยม” Ursprung เชื่อ “ ในโลกคอนเสิร์ตระดับมืออาชีพหากผู้ชมไม่สนุกกับงานของคุณคุณอาจจะไม่ประสบความสำเร็จในการขายตั๋วหรือที่สำคัญกว่านั้นคือผู้บริจาค คุณต้องทำงานที่สะท้อนถึงชีวิตภายนอกสถาบัน”
Carlisle Norton อธิบายว่าในแง่หนึ่งประสบการณ์ในระดับบัณฑิตศึกษาสอนให้เธอ“ ดูแลผู้ชม” ในขณะที่อีกด้านหนึ่งเธอพบกับทัศนคติที่ไม่สนใจต่อประสบการณ์ของผู้ชมซึ่งทำให้เธอรู้สึกหงุดหงิด
เอลลิซแพตเตอร์สัน
สรุปแล้ว Carlisle Norton ได้ให้ความสำคัญกับประสบการณ์ของผู้ชมในความสำเร็จในการทำงาน บริษัท ของเธอและสนามเต้นรำคอนเสิร์ตโดยรวม Urspring เชื่อว่าการเต้นรำในระดับอุดมศึกษากำลังก้าวไปสู่การปลูกฝังข้อควรพิจารณาในทางปฏิบัติประเภทนี้ให้กับนักเรียนนาฏศิลป์ -“ ความรู้เกี่ยวกับการเงินส่วนบุคคลการใช้ทักษะที่ฝังอยู่ในงานประจำวันและการค้นหาวิธีที่จะเตรียมตัวให้พร้อมสำหรับความสำเร็จ” เขากล่าวเสริมว่า“ โปรแกรมวิชาการเต้นรำรู้สึกกดดันอยู่แล้วที่จะต้องสอนทักษะการเอาตัวรอดในทางปฏิบัติมากขึ้น เป็นเรื่องยากที่จะหาโปรแกรมที่สอนกระบวนการและเทคนิคที่สร้างสรรค์อย่างหมดจด”
เส้นทางของแพตเตอร์สัน แสดงให้เห็นถึงความสำคัญของเครื่องมือและทักษะในทางปฏิบัติดังกล่าว ตลอดจนความถูกต้อง - และแม้กระทั่งข้อได้เปรียบ - ในการค้นหาเส้นทางอื่นของการศึกษาทางวิชาการที่เป็นทางการซึ่งเราสามารถนำไปสู่การเต้นคอนเสิร์ตระดับมืออาชีพได้ “ มีหลายวิธีในการเต้นและศึกษาเรื่องอื่น ๆ ต่อไปและมีข้อดีในการนำมุมมองอื่น ๆ จากสาขาอื่น ๆ มาใช้” เธอยืนยัน Eckman ได้เข้ามาเต้นรำในระดับอุดมศึกษาในฐานะนักบัลเล่ต์คลาสสิกมองว่าทั้งหมดนี้เป็นการเดินทางที่ไม่เหมือนใครสำหรับศิลปินแต่ละคนซึ่งเป็นการเดินทางที่ต้องใช้ความอดทนกับสถานที่ของแต่ละคนในช่วงเวลาใดเวลาหนึ่ง “ ไม่สามารถเร่งรีบได้” เธอเชื่อ “ สิ่งต่างๆจะมาในเวลาของมันเอง”
คลาสบัลเล่ต์แนชวิลล์
จากการพิจารณาทั้งหมดนี้ข้อควรพิจารณาที่สำคัญสำหรับศิลปินคืออะไร พิจารณา BFA หรือ MFA - อาจจะเลือกระหว่างสิ่งนั้นและวางทุกอย่างลงในอาชีพการเต้นคอนเสิร์ตมืออาชีพโดยตรง? Ursprung บอกว่าเขาจะแนะนำนักเต้นรุ่นใหม่ให้ไปสู่ BFA เสมอ “ มุมมองต่อโลกของคุณและความเข้าใจเกี่ยวกับสนามเต้นรำเมื่ออายุ 18 ปีมี จำกัด มาก” เขาเน้นย้ำ เขาจะสนับสนุนให้ใช้เวลาระหว่าง BFA และ MFA อย่างไรก็ตาม“ เพื่อฝึกฝนการทำงานและการหมกมุ่นอยู่ในสนาม ฝึกฝนฝีมือของคุณและเริ่มทำรายการสิ่งที่คุณต้องปรับปรุงและค้นหาโปรแกรมที่จะมอบโอกาสที่เหมาะสมเพื่อสนับสนุนคุณในการเดินทางของคุณอย่างดีที่สุด”
ภาพถ่ายโดย Melissa Blackall Photography
แพตเตอร์สันเน้นย้ำถึงความจำเป็นในการศึกษาระดับปริญญาที่สูงขึ้นหากต้องการสอนในฐานะศาสตราจารย์หรือเป็นผู้นำในพื้นที่การเต้นระดับอุดมศึกษา โดยรวมแล้ว Eckman ดูเหมือนจะเป็นผู้สนับสนุนที่แข็งแกร่งสำหรับการเต้นรำในระดับอุดมศึกษา เธอตั้งข้อสังเกตถึงข้อได้เปรียบของเครือข่ายเพื่อนศิลปินมากมายที่การศึกษาระดับสูงสามารถมอบให้ได้ นอกจากนี้เธอยังตระหนักดีว่าประสบการณ์ในการแสดงคอนเสิร์ตสามารถนำมาสู่การศึกษาทางวิชาการด้านนาฏศิลป์ได้อย่างไรเช่นความเป็นมืออาชีพในระดับสูง (รวมถึงความสุภาพความรวดเร็วความสามารถในการปรับตัวจรรยาบรรณในการทำงานที่แข็งแกร่ง) และการดูแลเครื่องดนตรีของบุคคลหนึ่ง หากใครตัดสินใจเลือกเส้นทางการศึกษาที่สูงขึ้น Eckhart ขอแนะนำให้เปิดตาและไม่กลัวที่จะพัฒนาความสัมพันธ์กับศาสตราจารย์ของคนใดคนหนึ่ง “ คุณจะโน้มน้าวไปสู่สิ่งที่ตรงกับตัวคุณและสุดท้ายแล้วเผ่าของคุณจะเป็นอย่างไร” เธอคิด
Ursprung เน้นให้เห็นว่าโปรแกรมการเต้นระดับอุดมศึกษากำลังปรับตัวให้เข้ากับความเป็นจริงของโลกแห่งการเต้นรำแบบมืออาชีพในปัจจุบันอย่างไร และ Eckman ก็เห็นด้วยโดยกล่าวว่า“ บริษัท เต้นรำดูไม่ค่อยเหมือนเมื่อ 20 ปีที่แล้วและการเต้นรำระดับอุดมศึกษาก็ปรับตัวตามไปด้วย” ยังมีวิธีอื่นอีกไหมที่การศึกษาระดับอุดมศึกษาสามารถรับทราบความเป็นจริงและการนำเสนอของ“ โลกแห่งความจริง” ของการแสดงคอนเสิร์ตระดับมืออาชีพ (เพราะไม่มีคำศัพท์ที่ดีกว่า)
ฤดูใบไม้ร่วง Eckman
Ursprung ยินดีที่ได้เห็นหน่วยงานด้านการเต้นระดับอุดมศึกษา“ เปิดแหล่งข้อมูล” ให้กับศิลปินรุ่นใหม่และรุ่นกลางบ่อยขึ้น “ บ่อยครั้งทรัพยากรเหล่านี้ถูกสงวนไว้สำหรับ บริษัท ใหญ่ ๆ แต่โอกาสในการสร้างและเวิร์คช็อปงานใหม่และที่มีอยู่ในสภาพแวดล้อมของวิทยาลัยจะทำให้ศิลปินมีโอกาสเจาะลึกลงไปในงานของพวกเขา” เขาเล่า
เขาโปรโมตโมเดลต่างๆเช่นหลักสูตรที่เพิ่งปรับโครงสร้างใหม่ของ Dean College ทำให้นักศึกษาได้รับประสบการณ์การฝึกงาน ชุมชนและภาคส่วนต่างๆของโลกแห่งการเต้นรำมืออาชีพ . เขาเชื่อว่าแนวทางนี้“ ทำให้แน่ใจว่านักเรียนรู้ทั้งทางเลือกของตนเองและทดสอบชีวิตในการเต้นรำเพื่อดูว่าเป็นสิ่งที่พวกเขาต้องการจริงหรือไม่”
ในรูปแบบนี้เช่นเดียวกับประสบการณ์ทั้งหมดของศิลปินเหล่านี้เป็นที่ชัดเจนว่ามีเส้นทางที่เป็นไปได้มากมายในชีวิตของการเต้นรำไม่ว่าจะเป็นการแสดงคอนเสิร์ตที่ไม่ใช่นักวิชาการการเต้นรำเชิงวิชาการหรือการผสมผสานของทั้งสองอย่าง ตามที่ Eckman กล่าวไว้สิ่งสำคัญคือการที่ศิลปินแต่ละคนจะต้องค้นหาเส้นทางที่สอดคล้องกับและสนับสนุนพวกเขาในฐานะบุคคลที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและใช้ประโยชน์จากประสบการณ์เครื่องมือและมิตรภาพให้เกิดประโยชน์สูงสุดระหว่างทาง
โดย Kathryn Boland จาก Dance Informs.
แนะนำสำหรับคุณ
